В Центральном выставочном зале Музея искусств имени Абылхана Кастеева открылась выставка «Европейская живопись XIX — XX веков», объединившая более двадцати произведений из частных коллекций. В экспозиции: живопись и предметы декоративно-прикладного искусства: от академизма и романтизма до импрессионизма и модерна, от натюрмортов и портретов до городских и морских пейзажей. Проект будет интересен как профессиональному сообществу, так и широкой аудитории, так как позволяет увидеть эволюцию европейского художественного языка на протяжении двух столетий.
Экспозиция охватывает ключевые художественные направления XIX — XX веков – от академизма и романтизма до импрессионизма и модерна. Этот временной диапазон отражает одну из самых динамичных эпох в истории европейского искусства, когда менялись не только стили, но и само понимание роли художника.
Академическая школа, формировавшаяся вокруг европейских художественных академий, опиралась на строгую систему обучения: приоритет рисунка, выверенную композицию, исторические, мифологические и библейские сюжеты, тщательно прописанную фактуру. Романтизм, напротив, смещал акцент к индивидуальному переживанию, к драматическим пейзажам, историческим сценам, образам героя и внутреннего конфликта.
Во второй половине XIX века импрессионисты предложили иной взгляд на живопись: отказ от академической гладкости письма, работа на открытом воздухе, стремление зафиксировать изменчивость света и атмосферу момента. Свободная дробная кисть и интерес к повседневным сюжетам стали важным этапом в переходе к искусству модерна и раннего модернизма.
Модерн, распространившийся на рубеже веков, объединил живопись с декоративным искусством. Для него характерны текучие линии, орнаментальность, интерес к символике и стилизации формы. Художественный язык становится более пластичным, усиливается внимание к ритму, силуэту, декоративной цельности произведения.
Экспозиция разместилась в основном, вытянутом, зале ЦВЗ и прилегающем к нему камерном пространстве. Большую часть выставки составляют живописные произведения, однако проект не ограничивается исключительно полотнами. Тут также представлены бронзовые статуэтки и мраморные скульптуры, каменные изваяния с образами античных богов и исторических персонажей. Рядом предметы мебели из массива дерева: комоды и тумбы с тонкой резьбой, лаковой отделкой и сюжетными декоративными вставками. В этих деталях легко читается мастерство европейских ремесленных школ XIX века, где декоративно-прикладное искусство развивалось наравне с живописью и скульптурой.
Проект реализован при содействии салона «Ампир», одного из крупнейших центров антикварного искусства в стране. На протяжении многих лет он занимается поиском, атрибуцией и экспертизой произведений живописи и декоративно-прикладного искусства, фарфора, мебели и ювелирных изделий, участвуя в возвращении значимых предметов искусства в музейные и частные коллекции Казахстана.
Отдельного взгляда заслуживает коллекция часов — настенных и напольных. Массив дерева, ручная резьба, металл и позолота соединяются здесь с аллегорическими изображениями: фигурами ангелов, символами времени, мотивами движения небесных светил. Эти предметы хочется рассматривать вблизи, каждая деталь тут работает на общий декоративный строй.
Тем не менее центром экспозиции остается живопись. Жанровый диапазон широк: натюрморты и пейзажи, пасторальные сцены, портреты, бытовые композиции, городские и морские виды. Среди них нашлось место и масштабным панорамным изображениям городского пространства, где архитектура и повседневная жизнь соединяются в единую сцену. Такой тип произведений восходит к традиции ведуты, детализированного городского пейзажа, популярного в Европе XVIII — XIX веков и особенно характерного для Италии.
Именно к этой традиции обращается полотно Колле Леоне «Площадь Сан-Марко при лунном свете» (1878). С первых шагов по залу оно притягивает взгляд своей световой драматургией. Знаменитая площадь погружена в ночную тишину, однако пространство не кажется безжизненным. Луна, выглядывающая из-за силуэта здания, мягко разливает по площади оттенки лимонного, бирюзового и глубокого синего, оставляя отдельные фрагменты в густой тени.
Картина строится на контрасте света и тени, статичности архитектуры и текучести воды, монументальности пространства и камерности человеческих фигур. Именно этот баланс делает сцену наблюдением за жизнью — спокойной, многоязычной и непрерывной.
Отдельного внимания заслуживают натюрморты, являющиеся одним из наиболее выразительных жанров в экспозиции. Они варьируются от классических композиций с сезонными фруктами и цветами до сцен пышных застолий с дичью, сосудами, стеклом и серебром. Встречаются и экзотические мотивы с дарами Востока и Азии, напоминающие о торговых маршрутах и интересе европейских художников к заморским товарам и эстетике дальних стран.
Натюрморт XIX века перестает быть лишь упражнением в передаче фактуры предметов. Он становится пространством для игры со светом, цветом и символикой: увядающие лепестки могут намекать на быстротечность времени, сочные плоды – на изобилие и чувственность, блеск стекла и металла — на достаток и статус.
Одним из наиболее выразительных примеров в зале является работа французского художника Макса Карлье «Натюрморт с цветами и ягодами». Благодаря тонко выстроенной палитре — мягким переходам красных, кремовых и зеленых оттенков — картина буквально наполнена воздухом. Свет объединяет предметы в единую атмосферу свежести и легкой небрежности.
Часть представленных произведений ранее пополнила фонды ведущих музеев страны. Это Военно-исторический музей Вооруженных сил РК, Музей редких книг в Алматы, Дом-музей Динмухамеда Ахмедовича Кунаева, Музей Алматы, Музей истории Бокеевской орды и другие региональные собрания.
Фото Талгата Галимова